At the Lepanto exhibition in the Museum Brandhorst in Munich.

El ciclo de Lepanto de Cy Twombly

Luz pulsante, mar sangriento

El ciclo Lepanto de Cy Twombly en el Museum Brandhorst es un estudio monumental de la vida, la historia y la luz. Las imágenes cuelgan en una habitación, cuyas condiciones de iluminación fueron diseñadas precisamente para este ciclo.

Uno de los mayores enfrentamientos de comienzos de la Edad Moderna obtiene hoy la luz que se merece, una luz similar a la que tuvo en su momento. El 7 de octubre de 1571, 211 galeras de la Liga Santa, compuesta por Venecia, España y las tropas papales, se enfrentaron a 260 buques de guerra del Imperio Otomano en el golfo griego de Patras. Las tropas cristianas se hicieron con la victoria. Estratégicamente, el triunfo tuvo poca importancia: la hegemonía del Imperio Otomano en el Mediterráneo oriental no se vio afectada. Sin embargo, para Occidente la victoria fue de gran importancia simbólica. Se proclamó un día festivo en Venecia y Cervantes, que había participado en la batalla como soldado, narró los acontecimientos en El Quijote. Además, la batalla naval se convirtió en un motivo recurrente para los pintores del Renacimiento. En la imagen más conocida, pintada por Paolo Veronese en 1572, la Virgen María y varios santos observan con preocupación el sombrío bullicio de las embarcaciones.

Después de su presentación en Venecia, toda la comunidad artística se peleó por esta obra de Twombly, quien, en ese momento, diez años antes de su muerte, estaba en la cima de su éxito.

Alrededor de 400 años después, un artista volvió a abordar este tema: el estadounidense Cy Twombly, uno de los grandes pintores del siglo XX, heredero y representante del expresionismo abstracto, creó un ciclo monumental de doce partes para la Bienal de Venecia de 2001. Hoy, su “Lepanto” se encuentra en el Museum Brandhorst (museo) de Múnich. El ciclo es una especie de legado de Twombly, que murió en 2011, en el que se condensan todos los temas que fueron importantes para él: la mitología, el Mediterráneo, el cielo, el color y, sobre todo, la luz.

Como no podía ser de otra forma, la iluminación juega un papel muy especial en la sala del Museum Brandhorst en la que cuelgan los doce lienzos de 3 x 4 metros, uno al lado del otro. No es casualidad que estas obras hayan acabado aquí. Después de su presentación en Venecia, toda la comunidad artística se peleó por esta obra de Twombly, quien, en ese momento, diez años antes de su muerte, estaba en la cima de su éxito. Finalmente, Udo Brandhorst, que durante décadas había sido amigo de Twombly y que era uno de sus coleccionistas más leales, ganó la apuesta.

Una condición para ello fue que el ciclo debería colgarse en una sala creada especialmente para él en el piso superior del Museum Brandhorst. Esta sala es algo así como la joya de la corona en el edificio diseñado por el estudio de arquitectura Sauerbruch Hutton. Tiene una forma octogonal en la que las imágenes cuelgan en un arco plano frente al espectador. Su tamaño es impresionante y el techo juega un papel especial: está hecho de vidrio esmerilado con láminas posteriores que se pueden abrir y cerrar en función de la cantidad de luz solar.

“La idea era que la sala esté iluminada por la luz natural y que, si es necesario, se pueda encender la luz artificial”, dice Achim Hochdörfer, director del museo. Si el sol brilla demasiado, las láminas se cierran. “Sin embargo, pronto nos dimos cuenta de que la idea era mejor que su implementación”, dice Hochdörfer. “Las láminas se movían solo con que pasase una nube frente al sol, así que el zumbido de los motores se escuchaba todo el tiempo”. Para evitarlo, decidimos que las láminas solo se ajustarían a las condiciones de iluminación unas pocas veces al día. Como suele ocurrir, la solución de emergencia resultó ser un golpe de suerte. De esta manera, el ciclo Lepanto se puede ver en condiciones de iluminación cambiantes, algo que encaja a la perfección con su drama monumental.

“A veces, los visitantes se sientan en estos bancos durante horas. Casi parece que estuvieran meditando.”
Achim Hochdörfer

En general, la obra de Twombly no es simple y accesible. Los cuadros, que suelen ser de gran formato, a menudo parece que están sin terminar, lo que puede resultar irritante. Hay líneas curvas que atraviesan la superficie, palabras sueltas y trozos de frases difíciles de reconocer. El ciclo Lepanto es diferente. Abruma al visitante con sus colores y su violencia. La batalla naval de Lepanto, un sorprendente hito histórico, se puede reconstruir con exactitud. Cientos de barcos partieron por la mañana temprano. El cielo estaba despejado, la visibilidad era buena.

En la primera imagen del ciclo predomina un tono azul suave. Una maravillosa mañana en el mar, nada más salir el sol. Se pueden ver estructuras que parecen barcos, pero aún no están en formación. Twombly no reproduce el mundo de los objetos, sino que lo insinúa. Los “barcos” son formas simples que parecen pintadas por niños. A veces se ve el casco desde arriba, a veces de lado. El dramatismo se condensa al pasar de una imagen a otra. Se van añadiendo elementos de color.

En las batallas de la época, las banderas de colores jugaban un papel crucial: la batalla terminaba cuando se capturaba la bandera enemiga. La pintura acrílica fluye en láminas gruesas que terminan en molduras de plástico duro. Es muy fácil reconocer la lucha bajo el despiadado sol mediterráneo. En el desorden colorido se mezclan cada vez más tonos de rojo. El mar se tiñe de sangre. La batalla naval de Lepanto solo duró cinco horas, pero se cobró la vida de casi 40.000 soldados y marineros. En las últimas imágenes vuelve a haber un ambiente pacífico, pero más que paz, se trata del silencio de la muerte.

Desde la década de 1990, en las obras de Twombly cada vez eran más frecuentes los barcos. Son motivos de despedida, símbolos de una retrospección melancólica.

Al observar la obra, puedes dejarte llevar por los colores de estas enormes imágenes. Esto es lo que hacen muchos de los visitantes en la sala de Lepanto. La sala está notablemente vacía, protagonizada únicamente por los cuadros enormes y llenos de color. Esto crea una atmósfera casi espiritual. Es inevitable quedarse mudo ante la luz coagulada. Achim Hochdörfer cuenta: “A veces, los visitantes se sientan en estos bancos durante horas. Casi parece que estuvieran meditando.” El ciclo Lepanto también se puede observar analíticamente, para intentar clasificar todos los significados individuales. Identificarlos todos es misión imposible.

“Twombly estaba interesado en la batalla naval porque era uno de los eventos históricos muy importantes y era central para la imaginación colectiva. Similar al terremoto de Lisboa años más tarde”, dice Achim Hochdörfer. “Solo había que decir el nombre y todos lo conocían.” Para el estadounidense Twombly, que vivía en Italia desde la década de 1960, esta inmersión con la cultura, la historia y la mitología de Europa siempre fue fascinante. Otra línea del significado tiene que ver con Venecia, como la principal participante en la batalla, como el primer centro de la pintura y como la sede de la Bienal, un punto de referencia para el arte contemporáneo. Esto está entretejido estrechamente: Twombly pinta el ciclo en un legado muy especial, el de los coloristas. Esta tradición comienza con el veneciano Paolo Veronese y llega hasta el presente, pasando por Turner y Monet. Por supuesto, también está el nivel metafórico, en el que el trayecto en barco representa la vida.

Desde la década de 1990, en las obras de Twombly cada vez eran más frecuentes los barcos. Son motivos de despedida, símbolos de una retrospección melancólica y también del Caronte, que simboliza la transición al reino de las sombras. El ciclo Lepanto contrarresta esta tristeza con una celebración del color y la luz. El último viaje está escrito. En la imagen “Untitled” de 1993, que se puede considerar un estudio preliminar de este ciclo, en un barco se puede leer una discreta dedicatoria “To Lucio”. Este es Lucio Amelio, un galerista amigo de Twombly que murió de sida. Junto a ella, Twombly incluye un fragmento modificado del poeta Giorgios Seferis: “The light is a pulse / continually slower and slower / you think it is about to stop.”

 

 

Texto: Nansen & Piccard; Fotos: Frank Stolle

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